Tarantino heeft het weer gedaan! In een snelle en hectische wereld slaagde hij erin veel mensen zo'n drie uur in de bioscoop te laten blijven zonder iets te zeggen en zonder op hun telefoon te kijken alleen maar om een film te kijken. En dat is precies wat ons CINEMA in hoofdletters heeft laten ervaren. Een pure liefde voor de zevende kunst met alle referenties waar de regisseur van houdt. Er was eens in Hollywood een stempel drukkend op de collectieve verbeelding.
En als een kunstenaar, van welke aard dan ook, doet wat hij echt voelt, zijn de resultaten zichtbaar. Tarantino heeft aan zijn zijde een publiek dat reikhalzend heeft uitgekeken naar zijn nieuwste speelfilm en naar het geld waarmee hij de filmproducties kan maken die hij wil.
Ongeacht of ze trendy zijn Tarantino gebruikt zijn invloeden, verdiept zich in zijn fetisjen en voorziet ons van een herschrijving van het verhaal. Het herinterpreteert wat was en zou kunnen zijn door middel van een vorm van entertainment die we als absoluut zouden kunnen definiëren.
Er was eens in Hollywood laat ons zien dat niet alle producties hetzelfde zijn, dat commerciële cinema niet allemaal hetzelfde is en dat er nog steeds mensen zijn die bereid zijn urenlang in een bioscoop te zitten en zich te laten meeslepen door de emoties .
Het lijkt erop dat de film voor niemand anders bedoeld is dan voor zichzelf en hierin ligt de sleutel tot het succes ervan. Een feest waarbij je tot het einde op de taart wacht.
De intertekstualiteit van Once Upon a Time in Hollywood
Tarantino leerde film door naar film te kijken. Hij werd gevoed door zowel de mooiste films als de minder gewaardeerde films of zelfs de verspilling van de zevende kunst. En het is precies dit dat het publiek de mogelijkheid wil overbrengen om kunst te vinden, zelfs in minder bekende en gewaardeerde producties.
Hij maakte vanaf het begin duidelijk dat alles wat hij leuk vindt aanwezig is in zijn cinema muziek naar cinefiele verwijzingen via zijn fetisjen.
Door de film van Tarantino te bekijken, kunnen we veel over cinema leren. We kunnen de invloeden terugvinden van de oude spaghettiwesterns die nu uit de mode zijn dompelen ons onder in kungfu en ontdekken zelfs authentieke parels die de meest commerciële cinema voor ons wilde verbergen.
Kunst gaat verder dan mode, opleggingen of politiek. Kunst moet worden beoordeeld als kunst op zichzelf. Als een regisseur die we leuk vinden ons direct of indirect een film aanbiedt, moeten we hem een kans geven.
Toen we de trailer zagen van Er was eens in Hollywood We weten wat de regisseur leuk vindt, we kennen zijn filmografie en toch wisten we niet goed wat we konden verwachten.
Hij wil ons erover vertellen Charles Manson en de moorden gepleegd door de familie? Wil je hulde brengen aan de oude glorie van Amerikaanse westerns die naar Europa gingen op zoek naar betere rollen? Misschien een beetje van dit alles.
In Er was eens in Hollywood Dit stelt ons echter in staat de bioscoop te verlaten en met onze vrienden de intertekstuele elementen te bespreken die we hebben kunnen herkennen en identificeren. We groeien allemaal op met een cultureel erfgoed en zijn min of meer voorbestemd om bepaalde boodschappen te begrijpen.
Quentin Tarantino geeft ons wat hij wil, of het nu logisch is of niet, en bouwt uiteindelijk een verhaal op dat had kunnen gebeuren of niet.
Volgens deze neiging tot voortdurende citaten verwijst de titel ons ook naar een regisseur die Tarantino diep bewondert. Sterker nog, hij heeft zijn liefde voor cinema nooit verborgen gehouden Sergio Leone .
Leone regisseerde twee verhalen met een titel die lijkt op die waar we het vandaag over hebben. Er was eens het Westen dat was zijn laatste spaghettiwestern (ook bekend als twilight western-genre) en Er was eens in Amerika wat de grote Amerikaanse ervaring van de Italiaanse regisseur zal worden, de lange film die de felbegeerde Verenigde Staten niet konden waarderen.
Het nostalgische element blijkt al uit de eerste sequenties. Dat geïdealiseerde Hollywood wordt uiteindelijk een onherbergzame omgeving waarin acteurs op een bepaalde leeftijd moeten accepteren wat hen wordt aangeboden. Een grotesk verhaal dat tegelijkertijd onwaarschijnlijk en reëel is en ons uiteindelijk het meest bittere gezicht van de filmindustrie laat zien.
Dit alles tegen de achtergrond van een helaas bekende tragische gebeurtenis: de moord op Sharon Tate . De actrice wordt voorgesteld als een jonge vrouw vol leven die plezier heeft in het publiek terwijl ze glimlachend naar een van haar films kijkt.
Wij, de kijkers, kennen haar tragische lot en sympathiseren en leven onvermijdelijk met haar mee. Hetzelfde gebeurt ook met een ander personage, de acteur die Clint Eastwood zou kunnen zijn, die lijdt onder de gevolgen van volwassenheid en een industrie die hem wilde stereotyperen zonder hem de kans te geven om te schitteren.
Nostalgie komt uit elke hoek van het scherm naar voren, de herinnering aan een glorieus maar hard tijdperk vermengt zich met Tarantino's dagdromen. Via zijn visie vertelt hij ons wat er had kunnen gebeuren. En aan ironie of gewelddadige scènes die kenmerkend zijn voor zijn cinema is geen gebrek: een zielig geweld dat mooi en grappig tegelijk is.
Soms voelt het alsof je twee films tegelijk kijkt. Twee waarheden of twee leugens die uiteindelijk verweven raken met een verrassend en lachwekkend maar ook verontrustend einde.
Er was eens in Hollywood het verhaal van Tarantino
LET OP: vanaf nu kan het artikel bevatten spoiler
Tarantino vertelt ons het verhaal van het oude Hollywood, een plek waar dromen uitkomen, maar waar ze ook gemakkelijk kunnen vervagen. Het verhaal van echte karakters vermengt zich met dat van verzonnen karakters hoewel dit laatste misschien echt lijkt.
Effectief Er was eens in Hollywood speelt met onze kennis van die tijd, neemt ons mee door de straten vol auto's van vroeger en laat ons via een gemakkelijk herkenbaar liedje kennismaken met de meisjes uit de familie van Charles Manson: Ik zeg nooit nooit tegen altijd.
Maar zijn we er echt van overtuigd dat we het tragische einde van Sharon Tate in een Tarantino-film zullen zien? Nee zeker niet. Het is niet het soort geweld waar de Amerikaanse regisseur van houdt. Het is er niet esthetisch en onderhoudend geweld bezield door de muziek waaraan het ons gewend is.
Al is Sharon Tate niet een van de hoofdpersonen in de film de regisseur speelt met blocken en editen zodat onze aandacht altijd op haar gericht is. Ze kleedt haar bijvoorbeeld in het geel tijdens een groot feest en gebruikt de camera zodat onze aandacht zich op de jonge vrouw vestigt, waardoor we ons in haar inleven en haar leren kennen zonder al te veel woorden te gebruiken.
En zo leren we Sharon kennen door haar manier van omgaan met haar omgeving en de meningen van andere personages. Wil Tarantino het personage op een ontroerende manier aan ons voorstellen en ons vervolgens zijn gruwelijke einde laten zien? Natuurlijk niet! Als we opletten, wordt het einde vanaf het begin onthuld.
Dankzij een scène die doet denken aan een van zijn eerdere films Onberoemde klootzakken kijkers kunnen zonder al te veel moeite anticiperen op het einde. Waar hebben we het over? Hij herschreef de geschiedenis door ons een mysterieuze episode uit het verleden te vertellen die eindigt met de moord op Adolf Hitler.
Die eerste referentie sluit rechtstreeks aan bij wat we zullen zien Er was eens in Hollywood . In dit geval zullen we echter niet te maken krijgen met rauw, tragisch en pijnlijk geweld, maar met vermakelijk geweld, een bloedbad, vlammen en actie.
De twee ogenschijnlijk verre verhalen zijn met elkaar verweven via een eclectisch einde. Constante citaten, nauwgezette aandacht voor detail, alles is mogelijk in de bioscoop van Tarantino. Er was eens in Hollywood LACHEN over alles en om plezier te hebben.
Het bloedbad laat nog lang op zich wachten, maar het wordt ons gepresenteerd als een catharsis, een bevrijding voor ons geweten, zoals het was zoals het moest zijn.
